Die Vorlesung wird online über Zoom durchgeführt.

Zeit: Montag, 14:30-17:30 Uhr, alle 14 Tage.

Daten: 19.4. - 3.5. - 17.5. -31.5. - 14.6. - 28.6. - 12.7.

Link zum Zoom-Meeting:

https://abk-stuttgart-de.zoom.us/j/62580422297?pwd=UVNaaUQxNURVcFlscmpFOXpUUFNJQT09

Meeting-ID: 625 8042 2297
Kenncode: Y7uByu

Kurzbeschreibung des Vorlesungsinhalts:

In den 1960er Jahren setzen tiefgreifende Transformationen der künstlerischen Praxis ein, die bis heute nachwirken. Die Transformationen betreffen die künstlerische Praxis, den Begriff der Kunst, die Rolle der Kunstinstitutionen und die Formen der Rezeption gleichermaßen. Heute alltäglich gewordene Praktiken wie Performance, Installation oder Aktionskunst entwickeln sich, neue Materialien und Medien halten Einzug, die bildende Kunst entgrenzt sich. Die Vorlesung geht diesen Transformationen nach, im Wechsel zwischen systematischer Perspektivierung und der Diskussion signifikanter Werke.

Hieronymus Bosch (um 1450/55–1516) war schon zu Lebzeiten für seine fantastischen Bilderfindungen berühmt. Heute ist sein Name zum Synonym für Spuk und Höllenbilder geworden. Die kunstwissenschaftliche Auseinandersetzung mit Leben und Werk Hieronymus Boschs begann Ende des 19. Jahrhunderts. Seither sind weit mehr als tausend Publikationen zu diesem Maler erschienen. Vor allem sind sie dem Versuch gewidmet, seine so rätselhaft anmutenden Bildwelten zu erklären. Seltener beschäftigen sie sich mit seinem Stil. Und ganz selten wird beides gleichermaßen in den Blick genommen. Aus wissenschaftsgeschichtlicher Perspektive ist Hieronymus Bosch gleichsam ein Modellfall für die Irrungen und Wirrungen der Kunstgeschichte und ihre methodischen Grundlagen. Die Vorlesung ist gleichermaßen als Einführung die Rezeptionsgeschichte angelegt, wie als Einführung in Leben und Werk. Dabei sollen nicht nur der Künstler und seine Werke in den Blick genommen werden, sondern auch die unterschiedlichen Wege der wissenschaftlichen Annäherung. 

Das Seminar findet online per Zoom statt. Ein Wechsel zu Präsenzveranstaltungen wird angestrebt, wenn die Situation es erlaubt.

Zeit: Dienstag, 14:00-17:30 Uhr, alle 14 Tage:

Termine: 20.4. - 4.5. - 18.5. - 1.6. - 15.6. - 29.6. - 13.7.

In der Gegenwartskunst formieren sich fortlaufend neue Diskurse zu künstlerischen und gesamtgesellschaftlichen Fragestellungen, die sich in Texten und Ausstellungen wiederspiegeln. Hierzu gehören die Relationale Ästhetik, der Spekulative Realismus, der Feminismus, die Outsider Art, der Postkolonialismus und das Queer Movement. Dieses Seminar soll einen ersten Einblick in diese Diskurse geben.

Gemeinsam diskutieren wir im ersten Teil dieser Doppelsitzungen einen wissenschaftlichen Text zu diesen Tendenzen. Im zweiten Teil stehen kuratorische Umsetzungen im Vordergrund. Hierzu besprechen wir Ausstellungen, die seit den 1990er Jahren diese Strömungen thematisiert haben: Traffic (1996),  Documenta 11 (2002), Das achte Feld (2006), theanyspacewhatever (2008),  Secret Universe (2012), Speculations on Anonymous Materials (2014), Guerilla Girls (2016), 10. Berlin Biennale (2018) und  Eau de Cologne (2019).

Als der Gelehrte Franciscus Junius um die Mitte des 17. Jahrhunderts seinen „Catalogus artificum“ zusammenstellte, ein vollständiges Verzeichnis aller in der antiken Literatur bezeugten Künste (griech. technitai, lat. artifices) führte dieser „Künstlerkatalog“ nicht nur alle antiken Maler und Bildhauer auf, sondern auch – dem klassischen techné-Begriff entsprechend – Ziseleure, Kupferschmiede, Töpfer, Mechaniker, Gold-, Silber- und Schwertschmiede, Steinmetze und Mathematiker. Eine Trennung nach Kunstgattungen wäre dem leidenschaftlichen Philologen wohl kaum in den Sinn gekommen, denn die antiken Autoren, auf die er sich berief, kannten diese Trennung nicht. Erst der seit dem Ende des 18. Jahrhunderts sich etablierende und noch heute gültige Kunst-Begriff schied die sogenannten „freien“ von den „angewandten“ Künsten und sonderte das „Kunsthandwerk“ aus der bislang als Einheit begriffenen Geschichte der Künste aus. Später wurden die „kunsthandwerklichen“ Gegenstände mit ihrer Musealisierung am Ende des 19. Jahrhunderts auch noch nach Materialien und „Gattungen“ getrennt. Wie lässt sich unter diesen Bedingungen eine Geschichte des europäischen Kunsthandwerks darstellen? Das Seminar, das teils als Übung vor Originalen abgehalten wird, soll diesem Versuch gewidmet sein.

In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit Kunst und der Geschichte. Wer erzählt die Geschichte der Kunst eigentlich und wie macht er oder sie das? Wessen Geschichten werden dabei erzählt und an wen wird sich erinnert?

Wie gehen wir selbst damit um und was für Möglichkeiten haben wir?

Neben einem ersten Überblick über die Geschichte(n) der Kunst von der Frühen Neuzeit bis in die Gegenwart, sollen auch Grundlagen kunsthistorischen Forschens und Schreibens erlangt werden.

Donnerstag 14.00-15.30 Uhr im digitalen Raum

Ende des Jahres 2021 soll in der Staatsgalerie Stuttgart in Kooperation mit dem Lehrstuhl für Mittlere und Neuere Kunstgeschichte der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste eine große Landesausstellung zum Frühwerk des Malers Peter Paul Rubens stattfinden. Das Seminar richtet sich an alle, die an fortgeschrittene Studierende aller Fachrichtungen, die aktiv an der Vorbereitung mitwirken wollen.

Literatur: Wird im Verlauf der Veranstaltung bekanntgegeben.

Die Ikonographie ist ein wichtiger Teil in der Kunstgeschichte, ermöglicht sie doch erst das Verstehen von Bildinhalten. 

Die Vorlesungseinheit besteht aus zwei Teilen. Der erste Teil findet immer im Wintersemester statt und widmet sich der christlichen Ikonographie. Im Sommersemester liegt der Fokus auf der profanen Ikonographie (vor allem auf der Ikonographie der antiken Mythologie). 

Um die Kunstwerke mit einer angemessenen Fachsprache beschreiben zu können, soll im Rahmen des Seminars auf die notwendigen Fachbegriffe ikonographischer Analyse und deren Bedeutung eingegangen werden.

Literatur: 

N. Büttner: Einführung in die frühneuzeitliche Ikonographie, Darmstadt 2014; F.Büttner und A. Gottdang: Einführung in die Ikonographie: Wege zur Deutung von Bildinhalten, München 2009; H. Krauss, E. Uthemann: Was Bilder erzählen: Die klassischen Geschichten aus Antike und Christentum in der abendländischen Malerei, München 1998; C.-P. Warncke: Symbol Emblem, Allegorie: Die zweite Sprache der Bilder, Köln 2005. 

Der belgische Soziologe, Philosoph und Theatermacher David van Reybrouck hat vor einigen Jahren eine Studie zu einem fast vergessenen Grenzraum im Länderdreieck zwischen Belgien, Deutschland und den Niederlanden vorgelegt. „Zink“ untersucht die Geschichte des nur vier Quadratkilometer großen europäischen Fleckens, der im „langen 19. Jahrhundert“ als „Neutral-Moresnet“ bekannt war, weil sich die Siegermächte auf dem Wiener Kongress (1814/15) aufgrund der dort entdeckten Zinkvorhaben nicht auf eine nationale Zuordnung des Gebietes einigen konnten. Über hundert Jahre lang war Neutral-Moresnet daher quasi staatenlos, ohne Regierung oder, wenn überhaupt unter einer Macht vereint, dann unter derjenigen der Zinkunternehmen. Ausgehend von diesem historischen Beispiel untersuchen wir das Thema Grenzen und Räume, bzw. GrenzRäume. Neben historischen Materialien und der erwähnten Studie „Zink“ lesen wir Ausschnitte aus u.a. M. Foucault „Andere Räume“, Michael Mayer „Zone“, J. Kasper „Der traumatisierte Raum“ und ausgewählte Texte von G. Agamben, J. Lacan etc. Das Thema ist auch Gegenstand einer Theaterproduktion des AGORA Theaters im Jahr 2021. Daher werden wir einige Sitzungen des Seminars gemeinsam mit Mitgliedern des Ensembles abhalten.

Unübersichtlich viele künstlerische Strömungen seit den 1960er Jahren und bis in die Gegenwart berufen sich auf Marcel Duchamp, wenn es um die Legitimation ihrer Verfahren geht. Das betrifft nicht nur die vielen Spielarten konzeptueller Kunst, für die das Readymade zum Gründungswerk stilisiert wird, sondern beispielsweise auch für neuartige Verbindungen zwischen Kunst und Wissenschaft oder für Kunstformen der sog. Institutional critique. Inwieweit diese Bezugnahmen und Rückführungen auf Duchamp gerechtfertigt sind, lässt sich nur aufgrund einer genaueren Kenntnis von Duchamps OEuvre abschätzen. In der Vorlesung werden daher zentrale Komplexe von Duchamps vielgestaltigem Werk vorgestellt und diskutiert. Die Vorlesung geht also sozusagen rückwärts: von der umfassenden und durchgreifenden Wirkung von Duchamps Kunst zurück zu den einzelnen Werken.

Das Seminar begleitet die Vorlesung mit gemeinsamen Werkdiskussionen und Lektüren ausgewählter Sekundärliteratur.
Die Seminarthemen werden in der ersten Sitzung bekannt gegeben.

Dieses Seminar bezieht sich auf das Phänomen einer verstärkten Hinwendung zum Begriff „Materialismus“ in unterschiedlichsten Ausprägungen in der gegenwärtigen Philosophie und der zeitgenössischen kulturellen und ästhetischen Debatte. Psychomaterialismus, Spekulativer Materialismus, Demokratischer Materialismus, Materialismus der Begegnung, sogar das alte Diskurspferd Dialektischer Materialismus – all diese Begriffe und Theorieangebote sind gegenwärtig im Umlauf. In diesem Seminar wollen wir uns anhand von Lektüren gegenwärtiger Autoren (Alain Badiou, Karen Barad, Katja Diefenbach, Byung-Chul Han), sowie einiger grundlegender Autoren (z.B. Marx und Spinoza) von diesem Umlauf der Materialismen einen ersten Überblick verschaffen.

Hans Haacke, im Jahr 2019 mit dem Arnold-Bode-Preis ausgezeichnet und

vom Kunstmagazin „monopol“ zur aktuell einflussreichsten Persönlichkeit der

Kunstwelt gekürt, gilt als bedeutender Vertreter der sogenannten ‚politischen

Konzeptkunst‘. Losgelöst von dieser der Komplexität seines Gesamtwerkes

nicht gerecht werdenden Zuschreibung stellt das Seminar zentrale Arbeiten

von Hans Haacke in den Fokus: Angefangen von seiner Auseinandersetzung

mit Systemen und Prozessen anhand von Naturphänomen, über wichtige

ortspezifische Arbeiten für temporäre Ausstellungsprojekte hin zu seinen

kritischen Beiträgen zur vergangenen und gegenwärtigen deutsch-deutschen

Situation. Die drei Blockseminare, die digital stattfinden, werden um

gemeinsame Screenings einer Dokumentation des Ausstellungsprojektes „Die

Endlichkeit der Freiheit“ (1990), der Bundestagsdebatte um „DER

BEVÖLKERUNG“ sowie einer aktuellen Podiumsdiskussion mit Hans Haacke

ergänzt.

Teilnahmevoraussetzungen:

Das Seminar richtet sich ausdrücklich an alle Studierenden

In den 1960er Jahren setzten tiefgreifende Transformationen der künstlerischen Praxis ein, die bis heute nachwirken. Die Transformationen betreffen die künstlerische Praxis, den Begriff der Kunst, die Rolle der Kunstinstitutionen und die Formen der Rezeption gleichermaßen. Das Seminar nimmt hierbei die Auswirkungen dieser Transformationen auf die Skulptur in den Blick. Die entsprechenden künstlerischen Positionen, hauptsächlich der US-amerikanischen Kunst zugehörig, wurden unter den Sammelbegriffen des Minimalismus sowie – als weiterer Entwicklungsschritt – des Post-Minimalismus zusammengefasst. Das Spektrum umfasst Künster wie Donald Judd, Carl Andre oder Dan Flavin, aber auch Richard Serra oder Bruce Nauman. Im Seminar diskutieren wir nicht nur diese künstlerischen Positionen, sondern begleitend dazu einschlägige Texte.
Literatur: Wird in der ersten Sitzung bekanntgegeben.

Im Verlauf des Seminars „Probe als künstlerische Praxis“ im letzten Semester haben wir festgestellt, dass das Thema für die Teilnehmer*innen wie auch für mich selbst nach einem Semester noch nicht befriedigend aufgearbeitet ist. Daher führen wir die Untersuchung des Stellenwertes der „Probe“ in der heutigen künstlerischen, theatralen und filmischen Praxis, wie in der theoretischen Auseinandersetzung mit deren ästhetischen Bedingungen, fort. Der Besuch des ersten Seminars ist keine Voraussetzung für die Teilnahme – aber, für diejenigen, die neu hinzukommen möchten, vielleicht die Bereitschaft, den einen oder anderen kurzen Text aus dem ersten Probe-Seminar zusätzlich zu lesen. Der Fokus dieses zweiten Semesters wird mehr auf der Dokumentation von tatsächlichen Probevorgängen, filmischen Auseinandersetzungen und der Reflexion von möglicherweise existenten Probeverhältnissen in der eigenen Praxis, liegen.

Wer entscheidet darüber, was Kunst ist? Und was macht dann die Kunstgeschichte damit?

Waren die überlieferten Skulpturen in der Antike überhaupt Kunst? Warum kann man den Begriff „Kunst“ eigentlich nicht auf die Objekte des Mittelalters anwenden? Was ist der Unterschied zwischen angewandter und freier Kunst?

Wie stehen Theorie und Praxis zueinander und wie wirken sie in den Kunstbetrieb?